Giorgio Lupattelli

Navigando nel database dell'uomo

Ormai viviamo in un tempo in cui l'immagine si è gradualmente sostituita alla realtà, siamo sempre più immersi nel variegato mondo della comunicazione, le nostre finestre sono sostituite da schermi televisivi come nel film Fahrenheit 451 di François Truffaut. I modelli estetici imposti da campagne pubblicitarie ci portano a riconsiderare il rapporto con il nostro corpo, e internet negli ultimi anni ha dato una forte accelerazione a questo processo. In altre parole le nostre conoscenze ed i nostri attuali valori si fondano essenzialmente su osservazioni e contaminazioni virtuali, piuttosto che basarsi su esperienze di vita reale.

Giorgio Lupattelli è un testimone diretto della nostra epoca, come artista non può prescindere da certe considerazioni, il suo lavoro infatti è il frutto di continui salti nel mondo della moda, del cinema, della televisione, della pubblicità, della musica, della religione e della scienza, si impossessa della storia e degli usi e costumi dell'umanità. La sua riflessione verte principalmente sulla tendenza dell’uomo contemporaneo alla manipolazione genetica e quindi alla resistenza della vita alla morte. L'artista si muove con grande abilità in questo oceano di stimoli visivi, plasmando di volta in volta quello che più lo colpisce, ma orientando la sua ricerca principalmente sull'uomo, sulle sue origini, la sua storia e il suo destino. A questo proposito è significativa la parte iniziale di Freon, un video dove Lupattelli inserisce una scena tratta dal film Il settimo sigillo di Ingmar Bergman: «voglio sapere fin a che punto saprò resistere e se dando scacco alla morte avrò salva la vita», dice il cavaliere a un personaggio alquanto misterioso. «Chi sei?», gli chiede il cavaliere. E il personaggio risponde: «Sono la morte». La Morte è venuta a prenderlo, ma in cambio di una partita a scacchi questi riesce ad ottenere una dilazione al compimento del proprio destino. A seguire, come in tutto il lavoro di Lupattelli, un susseguirsi di immagini “rubate” dai mezzi di comunicazione della nostra società.

L'artista legge l'attuale cultura come il frutto di un radicale cambiamento estetico, che mescola insieme fotografia, cinema, televisione per giungere fino all’odierna immagine informatizzata, ordinata in motori di ricerca e comunità virtuali. Seguendo la teoria di Ervin Panofsky, che vide nella prospettiva lineare una “forma simbolica” dell’era moderna, Lev Manovich ha definito il database come la nuova forma simbolica dell’epoca contemporanea

L'archivio dunque come espressione culturale caratterizzante il nostro tempo, dentro al quale fare “zapping”, come si diceva qualche anno fa parlando di televisione, oggi diremmo piuttosto “navigare” da una pagina all'altra del grande database di contenuti che troviamo sul web. Volendo brevemente risalire alla origini di questo mondo fatto per immagini, assemblate in un nuovo spazio alternativo alla realtà, potremmo scomodare addirittura l'opera di Pablo Picasso che anticipò questa modalità operativa servendosi del collage, prendendo dalla realtà dei ritagli di giornale, spartiti musicali, carta da parati e quant’altro potesse incollare sulla tela. Che l’arte del Novecento abbia adottato concettualmente la logica del database lo testimonia anche la più grande intuizione artistica prodotta da questo secolo: il ready-made. Scegliendo prodotti industriali di uso comune, Marcel Duchamp si limitò ad indicare come opera d’arte una serie di oggetti già fatti: una ruota di bicicletta (Roue de bicyclette, 1913), uno scolabottiglie (Egouttoir, 1914), un badile da neve (In Advance of the Broken Arm, 1915), un orinatoio in porcellana (Fontaine, 1917) e tanti altri. L’artista francese può essere visto come una sorta d’internauta ante litteram, alla continua ricerca di oggetti di suo interesse, come oggi si fa abitualmente rovistando fra le informazioni multimediali ricercate su Google o YouTube. In seguito, nella seconda metà del Novecento, sarà Andy Warhol a continuare quest’esplorazione all’interno di una vasta quantità di informazioni preconfezionate. Mentre il database di Duchamp era composto di oggetti, quello di Warhol lo sarà d’immagini. Già dagli anni Sessanta quindi possiamo parlare di una società costruita intorno a un grande archivio mediale, che l'artista utilizza a suo piacimento, ingrandendo, moltiplicando e trasformando in opera d’arte capi di stato (Mao), dive di Hollywood (Marilyn Monroe), pericolosi criminali (Thirteen Most Wanted Men), bibite (Coca Cola Bottles), cibo in scatola (Campbell’s Tomato Soup), detersivi (Brillo Boxes), incidenti stradali (Ambulance Disastrer Two Times), dipinti (Botticelli’s Venus) e tante altre immagini già esistenti e mitizzate. Quest’operazione di prelievo fotografico dai mass-media è probabilmente la strada più seguita dalle generazioni successive di artisti, negli anni Ottanta l'attenzione su questa modalità cresce a tal punto da far parlare di un vero e proprio “impulso archivistico” o una “febbre d’archivio”, come l’hanno definita rispettivamente i critici d'arte Hal Foster e Okwui Enwezor. La fotografia, il cinema, la televisione del passato e del presente vengono presi d’assalto da molti artisti contemporanei in tutto il mondo, in loro cresce l’esigenza di confrontarsi con un database d'immagini mediali. E' in questo scenario che si colloca l'opera di Giorgio Lupattelli; proprio negli anni Ottanta muove i primi passi abbozzando quella che dai primi del Novanta sarà la sua cifra stilistica. Inizialmente è soprattutto la pittura a caratterizzare la sua ricerca, poi progressivamente si dedica alla scultura, alla fotografia, al video e oggi sempre più all'installazione ambientale, dove convivono assieme tutte le altre discipline. L'artista indaga con scrupolo l'uomo contemporaneo, come si evolve il suo pensiero, di quali protesi tecnologiche si serve, oppure semplicemente “dove” sta andando, come anni fa esplicitava nei suoi dipinti marchiati dalla parola “where”. La sfida di Lupattelli è quella di raccogliere immagini e concetti apparentemente differenti la cui unione però genera nuovi significati, l'insegnamento di Duchamp e Warhol è portato all'estremo, l’autore perde sempre più il ruolo di creatore per trasformarsi in ricercatore di “strutture di significazione”.

Luca Panaro

Giorgio Lupattelli

Surfing in Man’s Database

We are living in times where imagine is gradually substituting reality. We are more and more merged in the variegated world of communication. TV screens are in place of our windows just like in the movie Fahrenheit 451 by François Truffaut. The aesthetical models imposed by publicity campaign take us to reconsider the relation with our body. In the last few years Internet has given an acceleration to this process. In other words our knowledge and our current values are essentially based on virtual observations and contaminations rather than on real life experiences.

Giorgio Lupattelli is a direct witness of our time. As an artist he can not leave aside some considerations. In fact his work is fruit of continuous leaps in the world of fashion, cinema, TV, publicity, music, religion and science. He gets hold of the history of man, his uses and habits. His thought mainly deals with the contemporary man tendency to genetic manipulation and then to the resistance of life on death. The artist moves with a great ability in this ocean of visual stimuli time after time moulding what affects him most, but steering his search on man, on his origin, his history and his destiny. To this end it is meaningful the starting point of Freon, a video where Lupattelli inserts a scene taken from the movie The Seventh Seal by Ingmar Bergman: “I would like to know how long I could resist and if I would save my life by checkmating death”, says the knight to a quite mysterious character. “Who are you?” asks the knight. The character says: “I am death”. Death has come to take him away but in exchange for a chess the knight succeeds in delay the accomplishment of his destiny. Later on images “stolen” by our society mass media follow one after the other as it is in Lupattelli’s whole work.

The artist reads the current culture as the fruit of a radical aesthetic change. From photography, cinema and television up to the present computerized image filed through search engines and virtual communities, all is mixed up. According to Ervin Panofsky’s theory, who saw in the linear perspective a “symbolic form” of modern era, Lev Manovich defined the database as the new symbolic form of the contemporary time. Then the archive is a cultural expression characterising our time where we can “zap” as we used to say some years ago talking about television. Nowadays we would rather say “surfing” from one page to the other in the big contents database on the web.

Going back to the origin of this world, made of images assembled in a space alternative to reality, we could even bother Pablo Picasso. In fact he anticipated this operation by using the collage, taking from reality some press clippings, music score, wall paper and all what he could glue on the canvas. In the 20th century art adopted, conceptually, the database logic. There are evidences in the greatest artistic intuition produced in the age: the ready-made. By choosing industrial product with a common use, Marcel Duchamp did nothing but chose as work of art a series of already made objects: a bike’s wheel (Roue de bicyclette, 1913), a bottle rack (Egouttoir, 1914), a snow shovel (In Advance of the Broken Arm, 1915), a china urinal (Fontaine, 1917) and many others. The French artist can be seen as an internaut ante litteram continuously searching for interesting objects such as we are doing today rummaging among the multimedia information on Google or YouTube.

Then, in the second half of the 20th century Andy Warhol will continue this exploration inside a huge quantity of pre-packed information. While Duchamp’s database saw objects, Warhol’s will collect images. Since the Sixties we can talk about a society built on a big medial archive used by the artist to his liking, magnifying, multiplying and transforming into works of art heads of state (Mao), Hollywood stars (Marilyn Monroe), dangerous criminals (Thirteen Most Wanted Men), drinks (Coca Cola Bottles), canned food (Campbell’s Tomato Soup), washing-up powder (Brillo Boxes), road accidents (Ambulance Disaster Two Times), paintings (Botticelli’s Venus) and many other already existing and mythicized images. This operation of taking photos from mass-media is probably the most beaten road by the following artistic generation. In the Eighties the attention to this modalities grew so much that we could talk of a full-blown “archive impulse” or an “archive fever” as Hal Foster and Okwui Enwezor respectively defined this phenomenon.

Many contemporary artists all over the world are storming past and present photo, cinema and television as they feel the growing need to confront with a database of medial images. Giorgio Lupattelli’s works of art take their place in such a scenery. It is in fact since the Eighties that he has taken his first steps sketching what in the early Nineties would become his stylistic code. At first his search is characterized above all by painting. Then gradually he dedicates himself to sculpture, photo, video and now more and more to environmental installation where all the other disciplines live together. The artist investigates scrupulously contemporary man, the way his thought are developing, the technological devices he is using, or simply “where” he is going, as some years ago Lupattelli made clear in his paintings where the word “where” stood out clearly. Lupattelli’s challenge is that of collecting images and concepts apparently different, the union of which can produce new meanings. Duchamp and Warhol’s teaching are taken to the limit, the author is loosing more and more his role of creator in order to transform himself in a researcher of “meaningful structures”.

traduzione / translate: Paola Sereni

COUNTDOWN

(Ten). Probabilmente qualcuno si ricorderà di Space Oddity, il vecchio successo di David Bowie. A me piace soprattutto l'inizio. Il suo incedere  lento. Il ritmo marcato dalla chitarra e scandito da un sinistro conto alla rovescia. Bene, durante la lavorazione di questa mostra, non riuscivo a liberarmene. Anzi, alla fine mi sono convinto che Space Oddity potrebbe essere una sintesi, oltre che un riflesso, di Human, all too Human.

(Nine). Si dice che il pezzo fosse stato ispirato da 2001: Odissea nello spazio, di Stanley Kubrick. C'è un senso di alienazione e solitudine, in quella pellicola, che ritrovo spesso nel lavoro di Giorgio Luattelli. Non è un caso, infatti, se quel film è diventato un'ossessione, per lui. Del resto, è tutto lì, in mostra. Dall'astronauta che si confonde con la macchina alle ripetute sagome di Spyderman. Dalle immagini della velocità senza controllo all'esaltazione di una tecnologia vintage. Seducente campionario visivo di metafore legate alla condizione frantumata della nostra modernità.

(Eight). Il Maggiore Tom della canzone esce dalla capsula e si perde nel vuoto cosmico. Lasciarsi andare. Fluttuare. Perdere il controllo. Quello che per Bowie poteva essere un'allusione all'oblio dell'eroina, per  Lupattelli riguarda l'uso delle sostanze chimiche come stile di vita. Stupefacenti, lenitivi psicologici o fisici. Aspirina, Prozac, Viagra, Sustanon. Ecco il nuovo “oppio dei popoli”. Il sostituto farmacologico della religione. L'ammortizzatore ideale per le nostre ansie da prestazione sociale.

(Seven, Six). Resta l'intelligenza. Ma siamo certi che l'elemento umano, mediatore fra scienza e tecnologia, ci salverà? La conoscenza, sempre più approfondita, di macro e micro cosmo, ci arrecherà sollievo? Purtroppo, sembra che l'angoscia di fronte al decadimento e alla nostra vulnerabilità sia inguaribile. Nonostante la potenza della mente. Anche il genio è impotente, così come Stephen Hawking e Rita Levi Montalcini, impietosamente ritratti nelle loro limitazioni fisiche, stanno a dimostrare.

(Five). Nemmeno il successo mondano ci consola. Il suo carattere effimero è ben noto, a Bowie come a Lupatteli. Per Giorgio ha le sembianze criminogene di Eminem, altro personaggio-feticcio. Coronato dagli attributi di una vita sempre al limite, a Magione trova la sua collocazione liturgica. La monumentale, laica pala d'altare chiude il percorso espositivo. Il corpo mistico, anche se insidiato da ogni abuso, è lì, oggetto di morbosa ostensione. Martire mediatico, immolato sull'altare di una sfrenata, selvaggia, disperata vitalità.

(Four). Un'esistenza violenta, quella di Eminem. Siamo tutti immersi nella violenza. Quotidianamente. Le guerre, certo. Gli incidenti stradali. Gli scontri fra le tifoserie. La delinquenza comune e quella domestica. E poi, parliamoci chiaro, tutto comincia da lì, dal trauma della nascita. Per finire con quell'altra, l'Innominabile. La violenza assoluta, la privazione della vita. Le tracce sono ovunque. Armi da fuoco e da taglio. Droghe e  chirurgia. Supereroi e animali velenosi. Persino la Pietà, struggente icona di amore definitivo, non è cinta di cherubini, ma minacciata da bisturi.

(Three, two). Ad un certo punto, Bowie canta “Planet Earth is blue, and there's nothing I can't do” (“Il Pianeta Terra è triste e non c'è nulla che io possa fare”). Già. La religione è un analgesico. La scienza un'illusione. La saggezza rende solo più chiara la nostra debolezza. Dobbiamo rassegnarci. Giocare – fino in fondo – con regole che non conosciamo. È una crudele stanza dei giochi, quella che Lupattelli allestisce per noi a Magione. Ci dice che, insieme ai mattoncini fuori scala, all'enorme ragno, agli inquietanti personaggi dei fumetti, siamo le vittime, non gli artefici, di quel gioco.

(One). Siamo mosche che camminano su di un vetro. Per noi la realtà è la superficie della finestra, non ciò che si trova al là. E fino all'ultimo culliamo la segreta illusione della salvezza. O comunque, speriamo di  essere un'eccezione nell'immenso processo biologico. Infatti, chi dice che il conto alla rovescia che sento, il suo terribile avanzare, sia l'approssimarsi della fine? Non potrebbe essere il preludio dii una nuova nascita? Non il buio eterno, ma l'accogliente anticamera del grembo materno?

(Blastoff).

Maurizio Coccia

(Ten). Probably somebody remembers Space Oddity, the old hit by David Bowie. I like the start mainly, its slow advancing, the rhythm marked by the guitar and beaten by a sinister countdown. Well, while working at this exhibition, I could not get rid of it. Furthermore in the end I convinced myself that Space Oddity could be a synthesis, and a reflection of Human, all too Human.

(Nine). It is said that the song was inspired by 2001: A Space Odyssey by Stanley Kubrick. There is a sense of alienation and solitude in that movie which is often to be found in Giorgio Lupattelli’s work. It is not just chance that the film became an obsession for him. Besides all is there, on display: from the astronaut which gets confused by the machine to the repeated shape of Spiderman; from the image of an uncontrolled speed to the exaltation of a vintage technology. We are facing seductive visual samples of metaphors dealing with the fragmented condition of our modernity.

(Eight). In the song Major Tom comes out of the capsule and get lost in the outer space. Being carried away, fluctuating, loosing control. What could be an allusion to the heroine-induced oblivion for Bowie, for Lupattelli concerns the use of chemical substances as a life-style. Drugs, psychological or physical palliations: Aspirina, Prozac, Viagra, Sustanon. Here is the new “people’s opium”, the pharmacological replacement of religion. The ideal cushion for the anxieties derived from social performance.

(Seven, Six). However intelligence is still there. But are we sure that the human element, intermediary between science and technology, will save us all? Will the deeper and deeper knowledge of macro and micro cosmos bring us some relief? Unfortunately it seems that the anguish we feel in front of decadence and human frailty is incurable in spite of the mind power. Genius is powerless too, as Stephen Hawking and Rita Levi Montalcini demonstrate, portrayed in their pitiless physical limits.

(Five). Neither the social success relieve our pain. Its ephemeral character is well known both by Bowie and Lupattelli. For Giorgio it has the criminogenic look of Eminem, another fetish figure. Crowned by the qualities of a life that is always on the edge, in Magione he finds his liturgical placement. The monumental, secular altar-piece closes the exhibition route. The mystic body, even if at the risk of any abuse, is there, an object of morbid ostension. A media martyr sacrificed on the alter of a wild, untamed and desperate vitality.

(Four). Eminem and his violent life. Everyday we are all plunged into violence. The war, for sure, the road accidents, the quarrels among football-team supporters, common and domestic delinquency. To say it clear the starting point is there, in the birth trauma and it ends up with the other one, the Unmentionable, the total violence, the deprivation of life. Traces are everywhere. Fire arms and knives, drugs and surgery, superheroes and poisonous animals. Even the Piety, yearning icon of final love is not surrounded by cherubs, but threatened by scalpels.

(Three, two). At a certain point Bowie sings “Planet Earth is blue, and there’s nothing I can do”. That’s it. Religion is a pain-killer, science is an illusion and wisdom only makes clearer our weakness. We must accept the unavoidable. We have to play till the end with unknown rules. It’s a cruel playroom the one prepared for us by Lupattelli in Magione. He say to us that, together with the out of scale Lego, the big spider, the disturbing cartoons characters, we are victims and not makers of that play.

(One). We are like flies walking on a glass. For us reality is the window’s surface, not what is beyond. Till the end we cherish the secret illusion of salvation, or however we hope to be an exception in the immense biological process. In fact, who knows whether  the countdown I’m listening to, in his terrible progress is the drawing near of the end? Could it not be a prelude for a new birth? I mean, couldn’t it be the welcoming ante-room of maternal womb instead of the everlasting dark?

(Blast off)

traduzione / translate: Paola Sereni